martes, 9 de enero de 2018

Otis Redding - (Stitting on the) Dock of the Bay - 50 Aniversario

Ayer, 8 de enero se cumplieron 50 años del lanzamiento de la canción perfecta: (Stitting on the) Dock of the Bay, interpretada por Otis Redding y compuesta por Redding y Steve Cropper. Comparto con ustedes el magnífico poster en conmemoración y los invito a que lean declaraciones de Steve Cropper acerca de la génesis de la canción, publicadas en este blog hace casi 5 años.




lunes, 8 de enero de 2018

Funky Drummer - Clyde Stubblefield - James Brown - 1970

“Los ha habido mas rápidos y mas salvajes, pero ningún baterista en todo el siglo 20 tuvo una mano izquierda como la de Clyde Stubblefield. El definió la música funk."
Ahmir Thompson, aka Questlove, baterista de The Roots

Como integrante de la banda de James Brown entre 1965 y 1970, Clyde Stubblefield grabó clásicos legendarios como "Cold Sweat", "Ain't It Funky Now", "I Got the Feelin'" y el ingualable “Sex Machine”. Sin embargo, se podría resumir el aporte de Stubblefield a la música popular en solo 20 segundos de batería, incluidos en el tema de 1970 “Funky Drummer” en donde sella su nombre a fuego. Ese beat sirvió, no solo como dice Questlove, para definir el funk, sino que también fue usado como sample en incontables tracks de hip hop, pop, r & B: "Fight the Power", "Bring the Noise"y "Rebel Without a Pause" de Public Enemy, "Fuck tha Police" de N.W.A. y otros de Dr. Dre, Run-D.M.C., Beastie Boys, Sinead O’Connor, Prince, George Michael. Según el sitio whosampled.com , Funky Drummer fue sampleado 1419 ocasiones. Aca tienen la lista.

Clyde Austin Stubblefield (1943 - 2017) fue un músico autodidacta que fue influido, según sus propias declaraciones, por los sonidos naturales a su alrededor "Escuchaba los trenes pasar, las lavadores de ropa, y ahí encontraba nuevos patrones de percusión, eso es lo que siempre hice y sigo haciendo. Pongo un patrón de batería a todo lo que escucho.” A principios de los 60, Clyde tocó con el guitarrista Eddie Kirkland y giró con Otis Redding, hasta que en 1965 se cruzó con James Brown. Comenzaba una nueva Era, una revolución sonora. La sección rítmica de la banda era llevada adelante por dos bateristas: Clyde Stubblefield y John "Jabo" Starks. Cada uno dio su toque distintivo. De acuerdo a Stubblefield, ellos tocaban lo que se les ocurría: "Nosotros creábamos los grooves, después se sumaba el bajo y James improvisaba letra, y los arreglos de vientos.”  Citamos nuevamente a Questlove, quien le dijo a la revista Rolling Stone: "Starks era mas limpio, mientras que la mano izquierda de Clyde era puro free jazz." Estamos ante un grupo de músicos que, si bien tocaban R&B y soul, hablaban un idioma completamente diferente en términos de ritmo. Todo lo que se tocaba, ya sea bajo, guitarra o instrumentos de viento, tenia una raíz percusiva y un pulso constante que no caía nunca. Ellos hacían de la jam session una parte fundamental de la composición. Si bien esto puede sonarnos bastante común hoy día, en aquellos años, tal vez no fuera tan usual.

En el caso de “Funky Drummer”, según Stubblefield, la experiencia no fue diferente, todo nació de una zapada. El tema no representó un gran hit para James Brown, pero fue parte importante en los shows en vivo. Aún con la importancia capital que tuvo el beat en “Funky Drummer”, Stubblefield no fue acreditado como compositor y por lo tanto, no recibió nada en concepto de regalías por esos samples. “No es que me molestara en particular, declaró al New York Times, simplemente lo considero irrespetuoso"


El primer disco solista de Stubblefield fue editado en 1997 y se llamó “La venganza del Funky Drummer”. En 2001, fue diagnosticado con cáncer de vejiga y en abril de 2016 sufrió una recaída por la que tuvo que ser internado y sometido a un quimioterapia. Su deuda hospitalaria ascendía a 90 mil dólares y Clyde no tenia cómo pagarla. Un día, su esposa Jody, recibe un llamado inesperado: gente allegada a Prince estaba en el teléfono y querían saber cuánto dinero necesitaba Stubblefield para cancelar su deuda. Acorde a su perfil, la única condición que pidió Prince para donar el dinero, fue que se realizara en el mas absoluto silencio y que la prensa no se enterase. Días después, Prince fallecía y a Stubblefield le pareció un buen homenaje hacia el artista de Minneapolis, difundir este gesto.

Como material adicional, diría yo imprescindible, pueden buscar en Netflix el documental "Mr. Dynamite, The Rise of James Brown", en el que se muestra a las claras la importancia que tuvieron James y su banda en la creaciòn del funk, y por supuesto, Funky Drummer tiene un capítulo aparte

Fuentes:
rollling stone
billboard
wikipedia
nytimes

Funky Drummer
Ain't That a Groove
Cold Sweat 
I Got The Feelin'
Say It Loud - I'm Black and I'm Proud
Give It Up Or Turnit A Loose
Mother Popcorn (You Got To Have A Mother For Me)
Ain't It Funky Now
Sex Machine
Get Up, Get Into It, Get Involved
There Was a Time
I got to move
Soul Power
Hot pants


viernes, 15 de diciembre de 2017

Blues & Boogie Vol. 1 - Kim Wilson - 2017

"Blues & Boogie Vol. 1" de Kim Wilson es un verdadero tributo al blues eléctrico de Memphis y Chicago, en donde la figura es el repertorio y el sonido. Por eso, son altamente positivos todos los condimentos que hacen a este disco: una producción que lo hace sonar impecablemente vintage, una banda bien solida sin grandes muestras de virtuosismo y un frontman (Kim Wilson en armónica y voz) que no se destaca mas de lo debido. Se logra así un álbum solido y correcto. Este album nos muestra a Kim tocando temas de sus artistas favoritos que lo han inspirado durante su carrera, no solo intérpretes de armónica, como Little Walter, Sonny Boy Williamson o James Cotton pero también leyendas del blues como Elmore James, John Lee Hooker, Jimmy Rogers, Big Maceo Merriweather, Lightnin' Hopkins y Magic Sam. 

El álbum suena espectacular, especialmente la armónica de Wilson (diatónica y cromática) que tiene un tono sorprendente, con la suciedad y distorsión perfectas. Como productor, Wilson realmente ha sabido obtener el sonido y el espíritu del blues de los '50. 

Kim Wilson es cantante, armonicista y es uno de los fundadores de The Fabulous Thunderbirds. En este disco comparte su amor y su pasión por el blues en 16 canciones, entre las que incluye 2 temas propios. El disco se grabó en vivo y en mono entre 2015 y2017. Barrelhouse Chuck, cuyo piano es una regocijo en cada tema en que suena y el baterista Richard Innes fallecieron antes de que el disco viera la luz. El resto de los músicos que grabaron con Wilson son los guitarristas Billy Flynn, Big John Atkinson, Nathan James y Bob Welsh; el bajista Larry Taylor (ex Canned Heat) y el baterista Marty Dotson. 

El disco arranca con "Bonus Boogie", un shuffle instrumental de Wilson en el estilo Little Walter, pero también hay otros instrumentales: "Teenage Beat" y "Edgier". "Ninety Nine" es una perfecta versión del tema de Sonny Boy Williamson con Barrelhouse Chuck haciendo maravillas en el piano y “From The Bottom” otra canción con mucho swing. "Worried Life Blues", el clásico Big Maceo, suena como si estuviera grabado en 1948. También se destaca "You Upset My Mind" de Jimmy Reed y “Searched All Over”, que recrea al gran Elmore James. 

A través de su pagina oficial, Wilson dedica este álbum a "mi hermano mayor, James Cotton quien siempre ha sido una gran inspiración y un amigo muy querido. Cada vez canto o toco mi instrumento, lo hago por ellos, por mis héroes del blues! Espero que disfruten escuchándolo tanto como yo disfrute haciéndolo!”

Si bien no es un disco que te vuela la peluca, cualquier amante del blues lo va a disfrutar, así que no lo dudes y Escuchate Esto!  

Fuentes:

Sello: Severn Records
Lista de Temas:

1. Bonus Boogie
2. No Love in My Heart
3. Ninety Nine
4. Worried Life Blues
5. You Upset My Mind
6. Teenage Beat
7. Same Old Blues
8. Searched All Over
9. From the Bottom
10. Look Whatcha Done
11. Blue and Lonesome
12. Sho Nuff I Do
13. Learn to Treat Me Right
14. Edgier
15. Mean Old Frisco
16. You’re the One

sábado, 2 de diciembre de 2017

The Rolling Stones - On Air - 2017



Hoy salió a la calle "On Air", un disco doble de The Rolling Stones que captura 32 temas grabados entre 1963 y 1965 por la banda mas grande del mundo en los estudios de la BBC de Londres para diferentes shows de radio y TV.  Hay versiones de Chuck Berry (Roll over Beethoven, Carol, Memphis Tenesee), de Tommy Tucker, “Hi-Heel Sneakers,” de Buster Brown “Fannie Mae,” de Hank Snow en la versión de Ray Charles’ “I’m Moving On,” de Bo Diddley “Cops and Robbers,” de Jay McShann  Confessin’ the Blues,” de Rufus Thomas “Walkin’ the Dog” y de Willie Dixon “I Just Want to Make love to you", entre otros.  La calidad de "On Air" varía considerablemente, algunos suenan mono, otros stereo, pero todo es crudo y potente, así sonaban los Rollin Stones en aquellos años. Las grabaciones ha sido procesadas en los estudios Abbey Road desde las cintas originales, por lo que han ganado en fidelidad.  The Rolling Stones se unen así a The Beatles, Led Zeppelin y The Who, entre otras bandas, que ya han editado sus viejas grabaciones para la BBC.
Compartimos algunas declaraciones de Keith Richards publicadas hoy en Los Angeles Times a propósito de "On Air" y aquellos años. 

“Estábamos intentando superar el terror de lo que era tocar en la BBC. Había mucha adrenalina, pero una vez que estás ahí tocando, listo. Eso pasa con los Stones desde hace 55 años, una vez que empiezan a tocar no les importa nada"
“La BBC nos quería en sus shows, no tengo idea porqué, tocábamos blues en bares por Dios! Pero bueno, llegamos al top 10 y de repente eramos la alternativa a los Beatles, benditos sean. Si, ellos abrieron las puertas."
"En aquel tiempo pensábamos que la BBC sabía lo que hacía, pero cuando llegábamos a los estudios nos dábamos cuenta de que no tenían idea de cómo grabar una banda como la nuestra"
“No teníamos idea qué estaban tomando los micrófonos y qué salía al aire. Solo era rezar y esperar que sonara lo mejor posible. Escuchándolo hoy día, creo que se capta el espíritu de la banda. "
"Me cuesta imaginar que la gente quiera escuchar estas grabaciones, me asombra que haya tanto interés"

viernes, 3 de noviembre de 2017

Soul Man - Sam and Dave - 1967

Comparto con ustedes algunos pasajes de dos notas que encontré sobre la importancia de Stax Records, Isaac Hayes, David Porter y “Soul Man”.

En 1967, en una desprolija operación financiera que involucró a Stax Records, Atlantic Records, y Warner, Stax perdió todo su catalogo, así como también el contrato de uno de sus principales números: El dúo Sam & Dave. A finales de ese año, Otis Redding fallece en un accidente de aviación. Estos dos eventos marcaron el fin de la era dorada de Stax Records y del soul sureño.  


David Porter estuvo en Stax desde el inicio. Las canciones country & western no se vendían, y los chicos del barrio gradualmente iban moviendo el foco de la compañía hacia un r&b mas urbano. Llegaron los éxitos, con el instrumental de los Mar-Keys’ “Last Night” y “Gee Whiz" de Carla Thomas. Porter era el primer compositor estable del sello. Isaac Hayes participaba como pianista en algunas sesiones, hasta que comenzaron a trabajar como dupla compositiva y todo empezó a funcionar. Empezaron en 1966 con un par de singles modestos para Johnny Taylor, pero su gran explosión fue con B-A-B-Y de Carla Thomas. Componían, trabajaban en cada etapa de la producción, decidían qué artista era mas apropiado para cada canción, producían la grabación, participaban de ella tocando, arreglando los vientos, incluso operando. Así se trabajaba en Stax. 

Trabajando en el Estudio
“Se trataba de la música, el mensaje, la melodía, cada uno de esos elementos trabajan a un nivel emocional –explica Hayes-. Lo llamo seducción subliminal, hacer que te enamores de la canción y todo lo que la canción te produce”. Isaac Hayes podía tocar cualquier instrumento y poseía una intuición de cómo todas las partes de una canción encastraban, cómo se construían los arreglos, y cómo hacer que los músicos obtuvieran los sonidos que estaban en su cabeza. A veces Porter se paraba al lado del micrófono y dirigía al cantante como si estuviera dirigiendo un coro. "Alguien podría decir que fuimos genios -explica-  pero no. Sabíamos lo que queríamos hacer y que lo conseguiríamos trabajando.”

SOUL MAN

Detroit 1967
Era el verano del 67 y Isaac Hayes estaba en Memphis viendo como Detroit ardía. Los noticieros reportaban incidentes masivos en la ciudad de los motores. 5 Días de violencia sin parar, 43 muertos, mas de 1200 heridos, mas de 7000 arrestos y cientos de edificios en la ciudad era quemados. Es considerado el evento mas violento que tuviera que ver con el movimiento de los derechos civiles, y también una fuerte prueba de que la tensión racial no se limitaba únicamente al Sur. Las noticias explicaban que los dueños negros de algunos locales de Detroit, escribían en sus vidrieras la palabra “SOUL” o “SOUL BROTHER” para que los manifestantes no rompieran sus tiendas. Así nació una de los mas grandes éxitos de r&b de la historia, basado en una palabra y en lo que ella representaba.


Escrita, ensayada, grabada, impresa y editada casi dos meses después de las revueltas de Detroit, “Soul Man” es una firme canción de Sam & Dave pero con la participación de casi todos en el sello,
músicos tanto negros como blancos, toda una rareza para 1967. El tema abre con la guitarra de Steve Cropper que con solo un par de notas, define el sonido del rock sureño que vendría en los setenta. Cuando la banda entra, la canción cambia a un groove poderoso, y el ataque igual de salvaje de la voz de Sam Moore. “Soul Man” fue un éxito en los charts por casi dos meses, fue el single mas exitoso que Stax había editado hasta la fecha, y aún permanece sólida como uno de los grandes clásicos del rock, una de esas canciones para las que no pasa el tiempo. David Porter dice, “Con ‘Soul Man,’ nuestro propósito fue motivar a la gente durante un momento difícil en nuestro país. Si realmente escuchás lo que la canción esta diciendo, es que cualquiera puede ser un Soul Man.” Estamos ante una declaración de principios, que define a Stax y a toda una generación de músicos, una canción que habla sobre cómo las canciones deben ser cantadas. 

Algunas de las mejores composiciones de Porter y Hayes nacieron trabajando para Sam & Dave, dándoles una cantidad de hits que posicionaron al dúo como uno de los actos mas poderosos de la época — no solo “Soul Man” y “When Something Is Wrong with My Baby” y "Hold on, I'm coming", también “You Got Me Hummin’,” “Said I Wasn’t Gonna Tell Nobody,” “I Thank You”,  “Wrap It Up” y “You Don’t Know Like I Know”. 

Luego del cambio de compañía en el 67, Porter y Hayes escribieron algunos hits mas para otros artistas, pero sin la relevancia esperada. Hasta que en 1969 Hayes grabó un álbum solista llamado "Hot Buttered Soul", un éxito masivo, como Stax nunca antes había visto ni hubiera podido predecir. Rápidamente Isaac Hayes se convirtió en una megaestrella, sex symbol, referente de la moda, ícono de la música negra a la altura de James Brown. Incluso ganó un Oscar por el tema de "Shaft" en 1972. David Porter también grabó un disco, pero fue opacado por "Hot Buttered Soul" y todo lo que trajo aparejado. Porter siguió en Stax, y a mediados de la década del 70, cuando llegó la tormenta económica y artística mas fuerte, puso dinero de su propio bolsillo para ayudar económicamente al sello. Aún así, Stax cerró sus puertas en 1976. 


Porter y Hayes en Stax
En 2003, abrió el Stax Museum of American Soul Music y en 2005, el Soulsville Charter School. Stax revivió como sello discográfico, y también como institución educativa. Existe también la MMT (Memphis Music Town), una organización que Porter fundó para dar igualdad de oportunidades educativas y musicales a los jóvenes de la ciudad. Isaac Hayes murió en 2008 y en agosto de este año se editó "The Spirit of Memphis (1962-1976)", una caja de 4 cds que sirve como una crónica musical de su carrera, que revisa desde su presencia fundacional en Stax, sus singles como solista, covers y algunas rarezas. Isaac Hayes es uno de los responsables de dar forma al sonido de la música que hoy escuchamos y es uno de los 20 artistas más sampleados de todos los tiempos. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Compartimos algunas playlist con lo mejor de Sam & Dave, y con la influencia del Espíritu de Memphis en otros artistas 



Fuentes
americansongwriter.com
whosampled.com
staxmuseum.com

miércoles, 25 de octubre de 2017

Fats Domino - 1928 - 2017

Conocí a Fats Domino allá por mi adolescencia, gracias al disco "Rock n Roll" de John Lennon y su cover "Ain't That a Shame". Fats fue uno de aquellos pioneros que tendió el puente entre el viejo rhythm & blues y el rock & roll en la década del 50. Es una leyenda y es uno de esos nombres, junto con el de Louis Armstrong, responsables de poner a New Orleans en el mapa musical del mundo. Comparto con ustedes una anécdota que pinta de cuerpo entero a este gran artista. 

En 2007 creyeron que Fats había muerto. Vale el graffiti para hoy.
En 2005 el huracán Katrina devastó gran parte de su ciudad, New Orleans. Fats no quiso ser evacuado, ya que consideraba que su esposa, gravemente enferma, no iba a resistir tal movida. Llegó la gran inundación y no se volvió a saber de él por días, incluso se lo dio por muerto. Muchos días después se supo que estaba vivo y fue rescatado por un helicóptero. Las oficinas y vivienda de Fats en el barrio de Lower Ninth Ward no fueron tan dañadas considerando lo devastado que habían quedado los alrededores, pero en el desastre perdió dos de sus pianos y casi todas sus posesiones y le fueron saqueados casi todos sus discos de oro (luego Capitol Records le reemplazó los discos perdidos). Al año siguiente, se editó el primer disco de Fats Domino en mas de una década con grabaciones inéditas hechas en la década del 90. Se llamó "Alive and Kickin", en obvia alusión a su supervivencia al huracán. En 2007 se produjo y editó Goin' Home, A Tribute to Fats Domino Las ganancias de ambos álbumes fueron a beneficio de Tipitina’s Foundation que patrocina la irreemplazable comunidad musical de Louisiana y New Orleans y preserva la cultura musical de la región.

Y como dice @natyslide , los lunes siempre pienso en Fats



Fuente: Escuchate Esto! 
Escuchar "Goin Home...", el tributo en youtube
Escuchar 
"Goin Home...", en spotify 

jueves, 12 de octubre de 2017

Desmond Dekker - Rudy got soul: The Early Beverly’s sessions / 1963 – 1968

"Desmond Dekker, he came first
And The Techniques, they came third
Clancy Eccles, he runs fourth
And Derrick Harriot, he came fifth
So I came second....in the competition

Letra del tema de Toots & The Maytals 

"Desmond Dekker came first"





Cuenta la leyenda que ni Coxsone Dodd de Studio One ni Duke Reid de Treasure Isle, los dos principales sellos de la música jamaiquina en los primeros años sesenta, se vieron interesados en el talento de Desmond Dekker. Sin embargo, Leslie Kong, al mando de la compañía Beverly's junto a su principal artista, Derrick Morgan, sí mostraron interés por este joven cantante de voz aflautada que pudo plasmar su arte en los primeros años del ska.  

En 1963 la canción "Honour Your Mother and Father" se volvió un hit  en Jamaica y lanzó su carrera. Otro de aquellos viejos éxitos fue "King of Ska", con el apoyo vocal de The Maytals, toda una declaración de principios que lo convirtieron definitivamente en una de las estrellas mas grandes de la isla.  Dekker sumó a sus 4 hermanos Carl, Patrick, Clive y Barry como sus vocalistas estables para cantar junto a el, y se bautizaron “Desmond Dekker and The Aces”. El nuevo grupo grabó varios éxitos incluyendo "Parents", "Get Up Edina", "This Woman" y "Mount Zion".

Como tantas veces se ha repetido en la historia de la música negra, la iglesia tiene presencia importante el el background de un cantante. De niño, el pequeño Desmond asistía a la iglesia local con su abuela y su tía. Además de su compromiso con la fe, disfrutaba mucho cantando himnos religiosos. 

"Catarsis Rocksteady"
libro del escritor español Lutxo Pérez es una fuente infalible para mi cuando de Rocksteady hablamos. Comparto una cita del libro referente a Dekker:

 "Por un lado, el nuevo compás que había asumido el ritmo, le ayudó a sacar sus registros mas soul. Por otro lado, los himnos rude boys de Derrick Morgan le impulsaron a abordar nuevas temáticas y asumir una actitud desafiante, diametralmente opuesta a aquella de “Honour your father and your mother”. Recién llegado el Rocksteady, Desmond Dekker entregó clásicos pandilleros del calibre de “007 (Shanty Town)”, “Rude Boy train” y la fantástica “Rudy got soul”. *

"007 (Shanty Town)" lo impuso como un icono rude boy en Jamaica y también se convirtió en uno de los favoritos en el Reino Unido, llegando al top 15 en los charts británicos. "Me sorprendió que “007” se convirtiera en un éxito en Inglaterra, declaró Dekker tiempo después "porque pensaba que la gente no entendería las letras. Iba sobre los problemas que estaba viviendo Jamaica durante esa época. Había revueltas estudiantiles y la policía y los soldados iban a disolverlas. Era como en las películas “007” y “Ocean’s eleven” pero creo que a la gente de Gran Bretaña le gustó la melodía aunque no entendieran de qué iba la canción” *

"Fu Man Chu" es otro gran monumento musical de la era rocksteady, con un aire absolutamente misterioso que culmina con un scat irresistible a cargo del cantante. En 1968 se editó "Israelites" y fue otra de las grandes canciones de su carrera, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. Dekker se convertía en el primer artista jamaiquino en tener un hit en USA con una forma y estilo puramente jamaiquinos. "Israelites" puede ser interpretada como canción de protesta que también fue un éxito en países tan diferentes como Suecia y Sudáfrica. Dekker explicó que muchos jamaiquinos se sentían como los israelitas, un pueblo condenado al exilio que soñaba con la tierra prometida. El tema volvería a ser éxito al reeditarse en 1975 y ser usada en cine, televisión y publicidad.

"Music Like Dirt (Intensified '68)" es otro de sus temas emblema, que ganó en 1968 el Jamaica Independence Festival Song Contest. A esta altura, Dekker editaba en su país y en forma simultánea en el Reino Unido. En 1970 Dekker lanzó su propia versión de "You Can Get It If You Really Want", de Jimmy Cliff, por expreso pedido de Leslie Kong. La versión usa la misma pista instrumental que la original de Cliff y, por supuesto, también fue un éxito.

Como recomendó Lutxo en "Catarsis Rocksteady" para conocer la obra de Desmoind Dekker, deberíamos escuchar  “Rudy got soul: The Early Beverly’s sessions /1963 – 1968” una antología de toda su obra durante las eras del ska y del rocksteady. Así que, no lo dudes y Escuchate Esto!  


* Catarsis Rocksteady. La edad dorada de la música jamaiquina, una crónica sentimental / Pérez, Lutxo / 2014 / ISBN: 978-84-616-4364-6 / Editorial: 33Series Ediciones